Что означает цвет в палитре художника?

Говоря о современных художниках, мы часто переосмысляем их картины через призму кураторских текстов, не обращая большое внимание на цвета и сочетания, как это делали во времена импрессионистов, авангардистов, кубистов. Позже на первый план выходит форма, концепция, а содержание раскрывается посредством других инструментов. Рассмотрим, к примеру, цифровое искусство, где суть произведения не только в цветовых решениях, а в приеме, методе. Но обо всем по порядку.

Раньше цвет играл ключевую роль в работах представителей художественных школ. Через анализ цвета мы могли датировать работы по составу красок или отличить одно художественное течение от другого, от воспроизведения символов и цветов в семантике средневековых образов до передачи именно цветовыми приемами желаемого результата: раньше цвет и сам был инструментом передачи замысла художников.

Но говоря о самых ярких представителях ХХ века, для которых цвет стал и формой репрезентации и содержанием, воплощающим новые концепции в истории искусства, хочется начать с художника, чей творческий путь и делился на периоды, состоящие из разных цветов.

Пабло Пикассо начал писать в 1901 году с приглушенных цветов и ограниченной палитры синего оттенка, которые воплощали период меланхолии и романтизма художника. Но через три года Пикассо начал добавлять розовые и оранжевые элементы, а ведущей темой стал цирк. Однако в «розовом периоде» остался лейтмотив «голубого», а именно — человеческие истории, сопровождающие каждый образ на полотне.

Друг и одновременно соперник Пикасо, Анри Матисс, вошел в историю благодаря умению передавать эмоции через форму и цвет. «Я хочу, чтобы цвет на моих полотнах пел, не считаясь ни с какими правилами и запретами», — говорил Анри Матисс. Он известен всему миру как великий исследователь цвета: для него цвет был возможностью передать весь спектр эмоций и стал художественным языком, на котором он говорил со зрителем. Цветом он стремился выразить не действительность, а состояние, образ и чувства. Например, вершиной мастерства Матисса можно считать картину «Танец». Всего три цвета формируют ритмичное, энергичное произведение, которое будто движется. Это стало новым словом в передаче движения через палитру красок.

Без сомнения, одним из самых радикальных примеров работы художника с цветом стала картина Малевича «Черный квадрат», где черный выступает символом небытия, первозданной тьмы из которой возникло все. Черный квадрат стал началом супрематизма — направления в живописи, которое перевернуло все представление о работе с самим цветом, теперь цвет это не художественный прием, а сама концепция. Художник назвал супрематизм новой религией. Важно, что на выставке его картина висела вверху в «красном» углу, где по традиции размещают икону.

После «Черного квадрата» Малевич пишет картину «Белое на белом», которая стала вершиной беспредметной живописи. Но не все разделяли идеи Малевича, а один из лидеров художественного авангарда Александр Родченко вошел в диалог с художником и написал ответ на «Белое на белом» — картину «Черное на черном». Родченко развивал идею о новом искусстве, вдохновленном изобретениями науки и техники. Для своей работы художник впервые воспользуется нетипичными для того времени инструментами — циркулем, валиком, линейкой.

Одним из самых известных художников, имя которого навсегда останется в ассоциации с синим, Ив Кляйн. К своему легендарному синему Ив Кляйн пришел не сразу. Сначала он создавал монохромные работы, используя оранжевый, желтый, красный. Публика их не принимала. И тогда Ив Кляйн обратился к синему. . В поисках нужного оттенка он изобрел собственный цвет, который позже запатентовал — International Klein Blue. Художник связывал этот цвет с нематериальными ценностями, которые находятся за пределами того, что можно увидеть или потрогать.

Если Матисс стремился выразить через цвет движение, для Малевича черный стал религией, то для Ротко картина сама по себе и была опытом. Еще в начале творчества художник понял, что больше не хочет изображать человеческие фигуры — по его словам, они не могли выразить человеческие эмоции. И тут он прибегает к содержанию через цвет, но не посредством разнообразной палитры, а через сам эффект цвета, одним из самых важных произведений Марка Ротко — серия картин в капелле в Хьюстоне: глубокие, темные полотна. Они буквально поглощают во тьму и, как говорят, наиболее точно иллюстрируют пословицу «Самый темный час — перед рассветом».

Еще одним революционером, в чьем творчестве цвет сыграл важную концептуальную роль, был Пит Мондриан. Он упростил формы до горизонтальных и вертикальных линий. Получившиеся прямоугольники художник заполнял основными цветами палитры. Так он представил свое ощущение мира в виде противоположностей. Этот прием сделал художника узнаваемым с первого взгляда.

В этой подборке мы впервые говорим не только о полотнах, но еще о скульптуре. Аниш Капур работает с огромными формами и сплошными цветами. В 2016 году художник получил эксклюзивные права на использование вещества Vantablack, которое имеет самый черный цвет в мире — оно поглощает 99% света.

Как видите, цвет может стать самой формой, содержанием, методом передачи эмоции, движения, концепцией, самой религией в творчестве художника. Именно цвет является первым и самым важным средством выразительности для любого автора.

Даже сегодня, рассматривая множество работ на ярмарках современных художников, керамистов, графиков, первое, на что мы обращаем внимание, и есть цвет и его сочетания. Для меня, цвет является важнейшей формой передачи эмоции, творческого замысла, сочетания, техника. Даже цифровое искусство может сочетать в себе самые разные интонации именно благодаря выбранным оттенкам и полутонам. Для каждого он свой, но именно через цвет происходит наше знакомство с автором, а уже далее с методом и его концепцией.